Loving Vincent

Loving Vincent

20171 h 34 min
Kurzinhalt

Ein Jahr nach dem Tod Vincent van Goghs taucht plötzlich ein Brief des Künstlers an dessen Bruder Theo auf. Der junge Armand Roulin erhält den Auftrag, den Brief auszuhändigen. Zunächst widerwillig macht er sich auf den Weg, doch je mehr er über Vincent erfährt, desto faszinierender erscheint ihm der Maler, der zeit seines Lebens auf Unverständnis und Ablehnung stieß. War es am Ende gar kein Selbstmord? Entschlossen begibt sich Armand auf die Suche nach der Wahrheit

Metadaten
Titel Loving Vincent
Original Titel Loving Vincent
Regisseur Dorota Kobiela, Hugh Welchman
Laufzeit 1 h 34 min
Starttermin 2 August 2017
Detail
Film-Details
Bewertung Gut
Trailer

Der Animationsfilm „Loving Vincent“ ist der erste komplett gemalte Künstler-Spielfilm, der durch seine Ölfarben-Technik im Stil van Goghs begeistert. Fantastisch schön anzusehen nimmt „Loving Vincent“ den Zuschauer mit auf die Reise in das Leben und Wirken einer der berühmtesten Maler unserer Zeit.

Für „Loving Vincent“ haben 125 Künstler aus aller Welt 65’000 Einzelbilder für gemalt. Diese Ölgemälde, die für den Film abfotografiert wurden, messen etwa einen Meter auf sechzig Zentimeter. Den Stil haben Vincent van Goghs Kunstwerke selbst vorgegeben: Fast hundert von ihnen wurden eins zu eins kopiert, sie bilden die Brückenköpfe des Films, verbunden durch Tausende frei erfundene Bilder. Jede Szene wurde dafür zuerst mit Schauspielern aufgeführt, abgefilmt und dann gemalt. Wer hätte gedacht, dass es einen Film braucht, um an den alten Zaubertrick der Malerei zu erinnern? Wie eine Welt aus Farbe und Strichen entsteht, zeigt „Loving Vincent“ in jedem Bild. Und das Wunder, von dem man nicht genug bekommen kann, besteht darin, dass man den Trick sieht und sich die Illusion trotzdem einstellt.

Die Geschichte setzt ein Jahr nach dem Tod Vincent Van Goghs an. Mit der Absicht, einen letzten Brief des Malers an seinen Bruder Theo auszuliefern, begibt sich Armand Roulin auf die Spuren des ominösen Künstlers und muss erkennen, dass sich um dessen Selbstmord einige Ungereimtheiten ranken. Er spricht mit Freunden, Bekannten, Geliebten und dem durch van Goghs Porträt später weltberühmt gewordenen behandelnden Arzt Dr. Gachet. Die Rückblenden werden wie in einem Puzzle zusammengesetzt. „Loving Vincent“ ist damit ein kluges Kriminalstück. Als würde der Sog der Bilder nicht schon reichen, kommt noch der des Plots dazu. Die Polin Dorota Kobiela hatte schon fünf animierte Kurzfilme gemacht, bevor sie „Loving Vincent“ plante. Ihr Lebenspartner, der Brite Hugh Welchman, überredete sie schliesslich dazu, das Projekt als Langspielfilm zu realisieren. Der Filmtitel habe mit ihrer Liebe zu Vincent van Gogh zu tun, meint Kobiela. Zudem habe der Maler seine Briefe an Bruder Theo oft mit „Loving Vincent“ unterschrieben: „dein dich liebender Vincent“.

Es gab in den vergangenen Jahrzehnten eine Explosion digitaler Effekte, alles, was sich am Computer herstellen liess, wurde ausprobiert, visuell und akustisch. Niemand aber hätte damit rechnen können, dass sich eine Polin und ein Engländer im 21. Jahrhundert zusammensetzen, um einen Kinofilm in Öl zu produzieren. In mühseliger, kostspieliger, langwieriger Handarbeit. Zusammen schrieben Dorota Kobiela und Hugh Welchman das Drehbuch und führten Regie. Für den Animationsfilm „Peter und der Wolf“ hatte Welchman 2008 bereits einen Oscar gewonnen. Das ist schön, erklären kann das jedoch nichts. Weder ökonomisch noch strategisch ist „Loving Vincent“ sinnvoll. Kein Reissbrett dieser Welt hätte so etwas hervorbringen können. Und das heisst nichts anderes, als dass dieser Film durch und durch unvorhergesehen ist. Darin besteht das grösste Glück. Die Bilder sind schlichtweg überwältigend. So etwas hat man im Kino noch nie gesehen. Im Kontrast mit den schwarzweiss gehaltenen Rückblenden wirken die Farben besonders intensiv. „Loving Vincent“ ist ein in dieser Art nie dagewesenes, cineastisches Kunstwerk und nicht nur für Kunstbegeisterte absolut sehenswert!

Mein Leben als Zucchini

Mein Leben als Zucchini

20161 h 06 min
Kurzinhalt

Zucchini – so lautet der Spitzname eines kleinen, neunjährigen Jungen, der nach dem plötzlichen Tod seiner Mutter mit einem neuen Leben konfrontiert wird. Der fürsorgliche Polizist Raymond bringt ihn ins Heim zu Madame Papineau, wo er fortan mit anderen Kindern aufwächst und seinen Platz in der Gesellschaft sucht. Das Zusammenleben ist nicht immer einfach, denn auch der freche Simon, die besorgte Béatrice, die schüchterne Alice, der etwas zerzauste Jujube und der verträumte Ahmed haben bereits viel erlebt. Aber sie raufen sich zusammen und geben einander Halt auf dem Weg, ihr Leben in ruhigere Bahnen zu lenken. Eines Tages stößt die mutige Camille zu ihnen, und Zucchini ist zum ersten Mal im Leben ein bisschen verliebt: Camille ist einfach wunderbar! Doch ihre Tante plant, die kleine Gruppe auseinander zu reißen und Camille zu sich zu holen. Können Zucchini und seine Freunde dies verhindern?

Metadaten
Titel Mein Leben als Zucchini
Original Titel Ma vie de courgette
Regisseur Claude Barras
Laufzeit 1 h 06 min
Starttermin 19 Oktober 2016
Website
Detail
Film-Details
Bewertung Grandios
Bilder
Trailer

Das Buch „L’autobiographie d’une courgette“ von Gilles Paris auf welchem der Film „Mein Leben als Zucchini“ basiert, soll bereits nach Erscheinen 2002 ein Bestseller geworden sein. 2004 erschien das Buch in deutscher Übersetzung: „Autobiografie einer Pflaume“. Hätte ich das Buch damals in die Hände bekommen, hätte mich der Titel vermutlich abgeschreckt. Und wenn ich dann noch erfahren hätte, dass es sich beim Autor um den Pressechef eines grossen Pariser Verlagshauses handelt, hätte ich das Ganze als kalkuliertes Machwerk abgetan: Sozialkitsch in Kindersprache.

Nun aber begegnet mir der Stoff in verblüffend verfremdeter Form im Animationsfilm „Ma vie de Courgette“ – „Mein Leben als Zucchini“ von Claude Barras. Der Film sei mittels Slow-Motion-Technik Bild für Bild eingefangen worden und die Wirkung, die dabei entsteht, Kinder im Jugendheim mit grauenhaften Biografien als phantastisch verzerrte Playmobilfiguren auftreten zu lassen, ist erschütternd. Das Buch ist in kindlich naiver Sprache verfasst, die von den Einen als berührend und überzeugend, von Anderen als konstruiert und unglaubwürdig beschrieben wird. Barras scheint Erzählton und Stoff gleichzeitig verlassen und verschärft zu haben. Schon die neue Titelung gibt Hinweise auf die Eingriffe: „Mein Leben als Zucchini“ führt auf assoziative Fehlspuren, ist verquer poetisch und schwächt das Selbstdemütigende des ursprünglichen Titels. Wenn die Hauptfigur „Icare“ im Jugendheim darauf besteht, als „Courgette“ angesprochen zu werden, schwingt darin auch eine Form von Stolz und Trotz mit. Warum die Mutter ihr Kind lebenslang als „Zucchini“ bezeichnet hatte, bleibt gewissermassen offen.

Während im Original die Mutter versehentlich vom Kind mit einem Gewehr erschossen wurde, ist es bei Barras die Tür zum Dachstock, die das Kind zuschlägt – was zum Tod der Mutter führt. Und während das Kind bei Gilles Paris einsam mit Äpfeln spielt, spielt es bei Barras mit den leeren Bierdosen der Mutter. Barras sei es ein Anliegen gewesen, den Stoff auch für Kinder zu öffnen. Durch die künstlichen Figuren sind die im Roman neun- oder zehnjährigen Kinder alterslos geworden, sie schicken sich Zeichnungen statt Briefe und erklären sich gegenseitig die Sexualität. Das ist für Kinder ab Schulalter eben so nachvollziehbar wie für Teenager und Erwachsene. Dabei wird das Jugendheim gegen unsere Erwartung als freundlicher, heimischer Ort erzählt. Und wenn am Ende zwei der Kinder vom sympathischen Polizisten adoptiert werden, ist die Zwiespältigkeit des Happy Ends offensichtlich: Warum werden die Kinder gerade jetzt getrennt, wo sie eine solche Vertrautheit und Solidarität entwickelt haben? „Ma vie de Courgette“ ist ein ausserordentlicher, bemerkenswerter Film. Wäre ich Lehrperson, ginge ich mit allen meinen Klassen sofort ins Kino.

Kubo – Der tapfere Samurai

Kubo - Der tapfere Samurai

20161 h 42 min
Kurzinhalt

Die Geschichte spielt in Japan vor unserer Zeit. Der junge gutherzige Held Kubo lebt in einer Stadt am Meer und kümmert sich um seine Mutter, seit sein Vater verstorben ist. Er lebt ein bescheidenes Dasein als Geschichtenerzähler, zu dessen Zuhörern auch Hosato, Akihiro und Kameyo gehören. Doch Kubos recht ruhige Existenz zerbricht mit einem Schlag, als er versehentlich einen Geist aus seiner Vergangenheit beschwört und dieser voller Zorn auf die Erde hinab stürmt, um eine uralte Blutrache zu vollstrecken.

Metadaten
Titel Kubo - Der tapfere Samurai
Original Titel Kubo and the Two Strings
Regisseur Travis Knight
Laufzeit 1 h 42 min
Starttermin 18 August 2016
Website
Detail
Film-Details
Bewertung Meisterwerk
Trailer

Bei „Kubo – Der tapfere Samurai“ (OT: Kubo and the Two Strings) handelt es sich um den vierten Animationsfilm der Laika Studios, jener Filmschmiede, die zuvor die ebenfalls als Stop-Motion-Abenteuer konzipierten „Coraline“ (2009), „ParaNorman“ (2012) und „Die Boxtrolls“ (2014) herausgebracht hatte. Das wahllose Zusammenrühren einzelner asiatischer Elemente aus Mythologie und vor allem Videospielen mag vielleicht für den gemeinen Westler japanisch rüberkommen, ist aber noch lange nicht authentisch. Was herausragt ist die Animation, hier speziell die Origami-Geschichten, die schlicht grossartig gemacht sind. Ansonsten muss Laika aufpassen die Eigenständigkeit nicht zu verlieren. Die noch sichtbare Stop-Motion-Grundlage wird zunehmend mit CGI-Überkleisterung verwässert und dennoch ist „Kubo – Der tapfere Samurai“ ein Film mit viel Charme und Herz, den man nur weiter empfehlen kann.

Als amerikanische Antwort auf Aardman Animations („Wallace & Gromit“, „Chicken Run“, „Shaun das Schaf“) haben die Stop-Motion-Spezialisten von Leika schon öfters ihr Händchen für herausfordernde Genrestoffe bewiesen, die von ihnen – im Gegensatz zu den meisten anderen Animations-Produktionen aus Hollywood – ganz bewusst nicht auf den kleinsten gemeinsamen Nenner heruntergebrochen werden. Und das ist nun auch beim inzwischen vierten Film des Studios nicht anders: „Kubo – Der tapfere Samurai“ von Leika-CEO und Regiedebütant Travis Knight ist ein traumhaft-schön animiertes Fernost-Märchen, das mit einer einzigartig meditativen Atmosphäre, einer ungewöhnlich komplexen Erzählung und atemberaubenden Martial-Arts-Choreographien begeistert. Beim japanisch inspirierten Samurai-Abenteuer gaben sich als Sprecher Hollywood-Stars wie Matthew McConaughey, Charlize Theron, Rooney Mara und Ralph Fiennes die Klinke in die Hand. Der junge Protagonist Kubo wird im Englischen von Art Parkinson (dem Rickon Stark aus Game of Thrones) gesprochen.

Stop-Motion-Filme sind etwas ganz Eigenes und im Prinzip eine Art der Animation, bei der selbst das komplett ungeschulte Auge den absurd gigantischen Aufwand dahinter erkennen kann. Kubo ist ohne Zweifel einer der besten Filme des letzten Jahres, obwohl der Film bei der breiten Masse nur schwer ankommen dürfte, was einfach am Ton der Geschichte liegt, denn Kubo ist weit davon entfernt, ein unterhaltsamer Familienfilm zu sein. Zwar ist vor allem der Humor im zweiten Teil des Filmes sehr kindgerecht, doch die Geschichte darum herum ist sehr ernst, unglaublich düster, gruselig und es wird auch nicht vor Mord zurückgeschreckt. Es wird erwartet, dass der Zuschauer von der ersten Sekunde an voll im Film ist und genau aufpasst (Kubo sagt es sogar förmlich selbst am Anfang). Es wird nicht gross erklärt, wer Kubo oder seine Mutter ist oder was es mit der Magie auf sich hat, die die Handlung bestimmt, es wird einfach alles als gegeben hingenommen, was die Geschichte ziemlich authentisch macht. Dabei lebt der Film auch vor allem von den wunderbar tiefgehend geschriebenen Charakteren, um die man sich wirklich kümmert und die einem auch wirklich durch ihre Taten sympathisch werden. Jeder Charakter hat nachvollziehbare Beweggründe und Geheimnisse, die einem im Film immer wieder überraschen. Dabei ist Kubo auch wirklich wunderbar kreativ, nicht nur was das optische Design der Charaktere betrifft, sondern auch in ihren Fähigkeiten und ihrer Geschichte.

Wo ich aber wirklich alle, zur Verfügung stehenden, Hüte ziehen muss, ist natürlich die technische Seite. Hier werden mitunter die schönsten Bilder des Jahres auf die Leinwand gebracht und die zahlreichen Action-Szenen sind etwas vom Aufwändigsten, was ich je gesehen habe. Der Film ist von vorne bis hinten ein optischer Gaumenschmaus und sprüht in praktisch jedem Bild beinahe vor Kreativität, Einfallsreichtum und Liebe zum Detail. Genau wie die „gefaltete“ Optik eckt auch die Geschichte mit ihren vielen der japanischen Mythologie entliehenen Elementen immer wieder bei unseren westlichen Sehgewohnheiten an. „Kubo – Der tapfere Samurai“ erinnert erzählerisch tatsächlich mehr an Miyazaki-Klassiker wie „Chihiros Reise ins Zauberland“ als an die Konkurrenz von Disney und Pixar. Trotzdem basiert der Film nicht, wie man nach dem Sehen leicht erwarten könnte, auf einer alten japanischen Sage, sondern ist tatsächlich ein Original des amerikanisch-britischen Drehbuch-Duos Marc Haimes und Chris Butler. Das macht es allerdings nur noch erstaunlicher, dass die mythische Schiene um rachsüchtige Geister, verwunschene Krieger und magische Rüstungen mit keinerlei Zugeständnissen an ein Mainstream-Kost gewöhntes westliches Publikum verwässert wird. Ganz im Gegenteil: Gerade beim Kampf mit den Tanten auf einem sinkenden Schiff (aus Origami-Papier) sowie beim Duell mit einem Riesenskelett mit feuerrot leuchtenden Augen sind die Martial-Arts-Einlagen konsequent intensiv geraten.

Vor der abenteuerlichen Reise verbringt Kubo die Tage damit, den Bewohnern eines kleinen Dorfs Geschichten zu erzählen. Während er auf einer Shamisen, einem dreisaitigen Lauteninstrument, spielt, flattern Papiere durch die Luft und falten sich zu Figuren, die seine Erzählungen illustrieren. Die Momente, in denen sich diese Origami-Figuren selbst zusammenfalten, über den Dorfplatz wirbeln und gegeneinander kämpfen, sich wieder ausfalten und umfalten, einander zerstückeln und zerreissen, gehören zu den besten Szenen des Films. Nicht nur, weil hier präzise Martial-Arts-Kampfchoreografien kindgerecht inszeniert sind, sondern weil sich hier die Feinheit der Animation am besten zeigt: Die filigrane Struktur des Papiers, die Art, wie es Schatten wirft, wie es Falten wirft, wie es rissig wird, wie es geknüllt wird, wie es raschelt. Ganz am Ende – der Abspann ist schon eine Weile am laufen – stülpt sich der Film nach aussen. Die Kamera gleitet eine grüne Wand entlang und der Raum gibt sich als Studioset zu erkennen, in dem eine gigantische Skelett-Puppe an einer noch gigantischeren, beweglichen Konstruktion eingehängt ist. Zwei Computerbildschirme stehen daneben, sie zeigen ein Gemisch aus fliehenden Zahlen, 3D-Grafiken und Symbolleisten. Ein Techniker steht zwischen Puppe und Computer, er hantiert mit dem Modell, operiert an dem Gerät. Das Bild ist nicht nur deshalb spannend, weil sich hier die anfängliche Laborsituation offenbart, in der noch nichts von der Lebendigkeit spürbar ist, die später im Film auf bedrohliche Art und Weise in dem Skelett wütet. Das Bild ist vor allem interessant, weil es die technische Überbrückungsleistung deutlich macht, die nötig ist, um vom reglosen Modell zur Illusion seiner Lebendigkeit zu kommen – und die erst dann erfolgreich ist, wenn sie sich selbst vertuscht.

„Kubo – Der tapfere Samurai“ hat einen aus der glattgebügelten Masse an 3D-Animations-Blockbustern absolut herausragenden, erstaunlich griffigen Look, wobei in einem Hollywood-Animationsfilm die Erzählung und die Optik wohl eh noch nie so perfekt ineinander gegriffen haben. Die düstere Geschichte wechselt sich immer sehr gut mit dem liebevollen Humor und der wahnsinnig faszinierenden, fesselnden und spassigen Abenteuerreise unserer Charaktere durch eine wundersame Welt ab. Exzellent gut ausgewogen, vor allem, da der Film sich wirklich mit extrem schweren und erwachsenen Themen (Tod/Angst vor dem Tod/Leben auf der Erde etc.) auseinandersetzt. Das Ganze mündet dann in dem denkbar schönsten Filmende, das der Film nur hätte haben können. Für „Kubo“ betrug der Produktionszeitraum 94 Wochen, die ungefähre Arbeitszeit 1’149’015 Stunden. Das erwähnte Skelett ist, nach Auskunft des Studios, das grösste jemals gebaute Monster dieser Art und für die Kubo-Puppe standen 11’007 Mund-Ausdrücke sowie 4429 Brauen-Ausdrücke zur Verfügung; in Summe macht das über 48 Millionen mögliche Gesichtsausdrücke. Dazu der Materialaufwand: 111’195 seltene Erdmagnete, 40’000 Paare Nitrilhandschuhe, 1050 Blätter Sandpapier und so weiter. Und doch ist all das, in der Bewegtheit des fertigen Films, unsichtbar und, ja, in gewisser Weise belanglos.

Vorschaubild

Das Schöne an „Kubo“ ist nämlich – und daran erinnert uns auch die sonderbare Einstellung aus dem Abspann -, dass ihm die Stiftung und Gestaltung von Lebendigkeit wichtiger ist als die Attraktion, das Spektakel oder der Klamauk. Das ist nicht zuletzt auch deshalb elegant, weil dieser Film, wie viele andere Kinderfilme auch, im Stillen an die heikle und für Kinder fraglos ganz besonders diffizile Frage nach dem Tod heranführt. „Kubo – Der tapfere Samurai“ ist ein visuell herausragendes Animations-Abenteuer, dem man nur ganz fest wünschen kann, dass sich der Mut der Macher auch an der Kinokasse und bei der kommenden Oscarverleihung auszahlen wird.

Nightmare Before Christmas

Nightmare Before Christmas

19931 h 16 min
Kurzinhalt

Jack Skellington ist der gefeierte Held von Halloweentown. Er treibt die gespenstischen Bewohner des Städtchens jedes Jahr aufs neue dazu an, sich schauerliche Überraschungen und diabolische Gags für das nächste Halloweenfest auszudenken. Doch der jährliche Trott, der sich immer einzig und allein um das Halloween dreht, wird Jack langsam zu eintönig. Als er zufällig die Tür zur fröhlichen und farbigen Weihnachtswelt findet und hindurchtritt, kommt ihm die Idee, das so andersartige Weihnachtsfest dieses Jahr selbst auszurichten ...

Metadaten
Titel Nightmare Before Christmas
Original Titel The Nightmare Before Christmas
Regisseur Henry Selick
Laufzeit 1 h 16 min
Starttermin 9 Oktober 1993
Website
Detail
Film-Details
Bewertung Meisterwerk
Trailer

Unter der Regie von Henry Selik erschien im Jahre 1993 mit „Nightmare Before Christmas“ der erste abendfüllende Stop-Motion-Kinofilm. Beim Stop-Motion-Verfahren werden modellierte Puppen vor einem starren Hintergrund mit enormem Aufwand millimeterweise bewegt und abfotografiert. Dieses Verfahren, welches seinen filmischen Durchbruch bereits im Jahre 1932 mit dem Film „King Kong und die weisse Frau“ feierte, wurde lange Zeit für Spezialeffekte genutzt. So fand die Technik in den 80er Jahren und auch Anfang der 90er noch ihren Einsatz in Filmen wie „The Terminator“ und „Jurassic Park“, bevor der Computer jegliche Spezialeffekterzeugung übernahm. Mit „Nightmare Before Christmas“, einem skurrilen Grusical über ein Skelett, welches das Weihnachtsfest an sich reißen möchte, wurde bewiesen, zu was für erstaunlich flüssigen und natürlichen Bewegungsabläufen die Stop-Motion-Technik eingesetzt werden kann.

Diesem Stop-Motion-Film von Touchstone Pictures liegt eine Geschichte von Tim Burton zugrunde und er war auch als Produzent mit an der Entwicklung des Filmes beteiligt. egie führte aber Henry Selick. Genau genommen, reden wir hier von einem ziemlich kruden Haufen von Künstlern, Schriftstellern und Filmemachern, deren künstlerische Basis wohl die fast ausschliessliche Beschäftigung mit Unkonformitäten und zudem äusserst, (unpolitisch), schwarz gefärbten Ansichten von Humor ist. Autor und Regisseur, liegen also hier nicht unbedingt weit auseinander. Aber wenn es jemanden gegeben hat, der es bis heute geschafft hat, nicht nur eine geradezu grandiose Gratwanderung zwischen Bildelementen aller möglichen Grenzgebiete dieses Metiers auf ein einziges filmisches Werk zu konzentrieren, – und dies selbst noch bis in die doch eher biederen Disney-Studios zu tragen, dann war es wohl er. Was andere Macher von Animationsfilmen normalerweise in publikumsspezifische Verharmlosungen und Klischees aufteilen müssen, fällt bei ihm einer ungeheuren Sensibilität zum Opfer, die ihm ermöglicht alles zusammen in einen Topf zu werfen, ohne dabei Schwierigkeiten zu bekommen, die Suppe gleichermassen süss wie sauer schmecken zu lassen. Er ist der ungeschlagene Meister des Zwischenraumes. Zwischen Jung und Alt. Zwischen liebevollem Horror und kettensägender Romantik. Zwischen krudem Witz und feinfühligem Schmunzeln.

Die Ästhetik der Hässlichkeit, beherrscht er genauso, wie die Verunglimpfung der Ästhetik, die Profanisierung von Niveau ebenso, wie die niveauvolle Verarbeitung von Klischees. Er dreht die Dinge um, ordnet sie neu und lässt den Betrachter damit irritiert mit den Augen rollend alleine. Wo andere nur genremässig Klamauk auf Klamauk folgen lassen um sinnlos Zwerchfelle zu malträtieren, macht er den Klamauk zur sensiblen Mixtur seiner selbst, greift mit gnadenloser Unverschämtheit in die vollgefüllte Kiste sensibler Unsensibilitäten – und spielt geradezu mit der ganzen Bandbreite von bildlich symbolischen Kombinationen zwischen fein ziselierten Ängsten, Komik und Horror genauso, wie mit Comic-, Zeichentrick- und surrealistischen Sequenzen, deren absolut abgestimmter Wechsel dem möglichen Lachen immer ein zähneklapperndes Schlucken beimischt. „Christmas before Nightmare“ ist der Beweis, dass die niveauvolle Geschmacklosigkeit, einen bestechend wohlriechend ranzigen Geschmack vermitteln kann, welcher einen die Dinge mitunter selber vertauschen lässt.

In Filme von Henry Selick, geht man nicht mehr mit dem üblichen Gefühl, sich über einen Animationsfilm Unterhaltung oder Spaß zu besorgen. Hier geht der Genuss tiefer. Viel tiefer. Und man muss sich von gewohnten Bewertungen befreien können. Man lässt Bilder auf sich wirken, die man ruhig mehrmals ansehen kann, um dabei immer neue Feinheiten entdecken zu können. Selik macht es relativ leicht, den Unterschied zwischen kreativer gestalterischer Liebe und einfacher Produktion von rein abfragebedingtem Füttern von Morbiditäten sichten zu können. Und im Zweifelsfalle, macht er auch da noch aus einer Fliegenpizza ein vielleicht gruseliges, aber immer noch Sahnetörtchen. Und was die anfangs erwähnten Schwierigkeiten im vielleicht interpretationsbedingtem Raum betrifft, werden die Dinge speziell beim Film, „Nightmare before Christmas“, mitunter recht schwierig. Man muss schon das Schlitzohr Selick und auch Burton an ihren sensiblen Möglichkeiten messen, Dinge dort zu verstecken, wo sie niemand vermutet. Immerhin, beschäftigen wir uns hier mit Leuten, die das Herumspielen mit Skurrilitäten in der Psyche bildverarbeitender Menschen für Klavierspielen halten. Und darin, einfach verdammt gut sind.

Die scheinbar lebendig werdenden Puppen versprühen ihren eigenen Charme und sorgen dafür, dass der Film seinen unverwechselbaren, innovativen Look erhält. „Nightmare Before Christmas“ gefällt als etwas anderer Weihnachtsfilm, der durch schaurig-schöne Melodien und eine in sich geschlossenen, bizarren Festtagswelt begeistert. Generell, kann ich nur empfehlen sich den Film zu besorgen, die Salzstangen und Cräcker durch Fischgräten, Zwiebelringe und Knoblauchzehen zu ersetzen und bei einem frischen Bier mit Ketchup, sich auch den Feinheiten genüsslich zu ergeben…

Pets

Pets

Weißt du eigentlich was deine Haustiere machen, wenn du nicht zu Hause bist?

20161 h 27 min
Kurzinhalt

Was machen eigentlich unsere geliebten Haustiere, wenn wir nicht zuhause sind? Die nächste Zusammenarbeit zwischen Illumination Entertainment und Universal Pictures knüpft an die bisherigen Grosserfolge an (Despicable Me, Despicable Me 2) und erzählt vom geheimen Leben der Haustiere, wenn deren Herrchen ausser Haus sind.

Metadaten
Titel Pets
Original Titel The Secret Life of Pets
Regisseur Chris Renaud, Yarrow Cheney
Laufzeit 1 h 27 min
Starttermin 24 Juni 2016
Website
Detail
Film-Details
Bewertung Sehr Gut
Schauspieler
Mit: Louis C.K., Eric Stonestreet, Kevin Hart, Jenny Slate, Lake Bell, Bobby Moynihan, Albert Brooks
Trailer

In dem neusten Animationsfilm von Illumination stehen Haustiere im Vordergrund. Da sind Hunde, Katzen, Vögel und Meerschweinchen. Sie alle leben in einem Block in Manhattan. Für sie beginnt der Spass, wenn Frauchen und Herrchen zur Arbeit gehen. Dann legt der gepflegte Pudel schon mal eine fette Heavy Metal Platte auf und die Katze räumt den Kühlschrank leer. Der neuste Animationsfilm von den Machern der „Minions“ blickt in die Gedankenwelt der Tiere hinein. Dabei nutzen sie auf eine grandiose Art und Weise die Eigenheiten der Tiere wie das Zeitgedächtnis von Hunden oder die Schreckhaftigkeit von Katzen.

Pets

„The Secret Life of Pets“ wie der Film im Original heisst, ist grundsätzlich nicht für Erwachsene ausgelegt, erzählt also eine einfache und plumpe Geschichte. Die Story ist so flach, dass ich zu Beginn des Films Probleme hatte, diese überhaupt zu erkennen. Aber bedenken wir noch einmal, dass „Pets“ für ein junges Publikum gemacht wurde, entschuldigt das eine nicht ganz so tiefsinnige Story. Dafür besitzt „Pets“ jede Menge Humor und kommt mit vielen kleinen Witzen daher. Technisch gesehen ist der Film allererste Sahne. Die Animationen, die Szenerie, die Kamera, die Bilder, das alles ist einfach wunderschön umgesetzt. Die Haustiere haben natürlich einen besonders hohen Cute-Factor, so ist das eben bei Animationsfilmen für Kinder und das funktioniert dann auch bei uns Älteren.

Pets

Für die deutsche Fassung konnte man bekannten Schauspielern wie Jan Josef Liefers, Dietmar Bär, Dieter Hallervorden, Ralf Richter und Uwe Ochsenknecht für die Synchronisation gewinnen. Vieles ist tatsächlich witzig und entlockte immer wieder ein Lachen oder Schmunzeln. Dafür verantwortlich ist hauptsächlich die hervorragende und liebevolle Animation der Tiere. Die Mimik und Gestik ist oftmals zum Schreien komisch, einige der Sprüche sind es ebenso. Der Soundtrack ist durchwegs gelungen und bringt immer wieder Schwung in die Story. Kindern wird der Film gefallen, was ich absolut nachvollziehen kann. Erwachsene sollten entweder ihre Erwartungen herunterschrauben oder wirklich ein Fan von amerikanischen Animationsfilmen sein, um grossen Gefallen an „The Secret Life of Pets“ zu finden. Für alle anderen bleibt ein zwar schnörkelloser und unterhaltsamer, aber zu einfach gestrickter Streifen übrig.

Asterix im Land der Götter

Asterix im Land der Götter

20141 h 25 min
Kurzinhalt

Schon lange sind die unnachgiebigen Gallier den Römern, allen voran Julius Caesar, ein Dorn im Auge. Da es bislang nicht möglich war, das gallische Völkchen mit militärischen Mitteln zu vertreiben, haben sich Caesar und seine Berater eine neue Idee einfallen lassen, mit der sie den widerspenstigen Galliern endlich beikommen wollen: Sie errichten eine Luxussiedlung unter dem Namen "Land der Götter" rund um das Dorf der Gallier und gliedern sie damit unfreiwillig in das Römische Imperium ein. Doch mal wieder haben die Römer die Rechnung ohne Asterix und Obelix gemacht. Wie gewohnt wissen die Gallier sich zu wehren und sabotieren die Bauarbeiten: Zuerst mit zaubertrankgetränkten, schnellwachsenden Eicheln und später mit Hilfe von Troubadix' Gesangskünsten...

Metadaten
Titel Asterix im Land der Götter
Original Titel Astérix: Le domaine des dieux
Regisseur Alexandre Astier, Louis Clichy
Laufzeit 1 h 25 min
Starttermin 26 November 2014
Website
Detail
Film-Details
Bewertung Meisterwerk
Trailer

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Die Zeit der peinlichen Realverfilmungen ist definitiv vorbei – die liebevolle 3D-Umsetzung beweist, dass es viel besser geht. „Asterix im Land der Götter“ (Astérix: Le Domaine des Dieux) ist ein äusserst witziger und kurzweiliger Spass ganz im Geiste der Comicvorlage.

Asterix im Land der Götter

Die Asterix-Comics haben sich, wenn es um Verfilmungen geht, in den letzten zehn Jahren ein bisschen vom Wunder- zum Sorgenkind gemausert. Die Reihe, die 1999 ganz vernünftig mit der international produzierten Realverfilmung „Asterix und Obelix gegen Caesar“ (Astérix et Obélix Contre César) mit Christian Clavier und Gérard Dépardieu in den Hauptrollen begann, gipfelte irgendwann im schrecklich lustlosen vierten Realfilmabenteuer „Asterix und Obelix: Im Auftrag Ihrer Majestät“, den auch gar niemand mehr sehen wollte. Gleichzeitig zur Produktion des bis dato letzten Spielfilms sass ein kleines Studio namens Mikros Image an einer 3D-animierten Verfilmung, die damit an die Tradition der animierten Abenteuer der mutigen Gallier anknüpft. „Asterix im Land der Götter“ erzählt die Geschichte des gleichnamigen Comics, bei uns „Die Trabantenstadt“, in dem Cäsar versucht, die Gallier zu besiegen, indem er ihnen eine Stadt direkt vor ihrer Nase baut, in der Hoffnung, den Unbeugsamen so die Zivilisation aufzuzwingen.

Asterix im Land der Götter

Technisch leisten die Macher dieses Filmes solide Arbeit, auch wenn die Animationen nicht immer gleich flüssig und dynamisch daherkommen. Man merkt dem Film an, dass das zuständige Studio noch sehr jung ist – Mikros Image hat bisher erst an drei Animationsfilmen gearbeitet, darunter auch „Le Petit Prince“. Dennoch kann „Asterix im Land der Götter“ überzeugen. Der Film fängt mit seiner Fülle an visuellen Gags geschickt den Witz der alten Zeichentrickfilme ein und wird auch dem Charme der Comicvorlage gerecht. Regisseur Alexandre Astier lässt es sich nicht nehmen, den Film zudem mit einer gewissen Aktualität zu versehen – den Einzug der Römer in die Nähe des Gallierdorfes spiegelt er geschickt mit den aktuellen Flüchtlingsströmen, wobei er den Galliern den Part der Ewiggestrigen, die sich über die Verfremdung empören, zugesteht. Goscinny wäre stolz! Eine schöne und vorallem äusserst unterhaltsamer Film, den man Gross und Klein empfehlen kann.

Die Peanuts – Der Film

Die Peanuts - Der Film

20151 h 29 min
Kurzinhalt

Charlie Brown, Snoopy, Lucy, Linus und der Rest der beliebten PEANUTS-Bande geben ihr Leinwanddebüt. Und das auf eine Art, wie man sie noch nie gesehen hat: in modernster 3D-Animation. Charlie Brown, der populärste Underdog der Welt, begibt sich dabei auf eine großartige, heldenhafte Mission, während sein bester Freund, der liebenswerte Beagle Snoopy, hoch oben am Himmel die Konfrontation mit seinem Erzfeind, dem Roten Baron, sucht.

Metadaten
Titel Die Peanuts - Der Film
Original Titel The Peanuts Movie
Regisseur Steve Martino
Laufzeit 1 h 29 min
Starttermin 6 November 2015
Website
Detail
Film-Details
Bewertung Meisterwerk
Schauspieler
Mit: Noah Schnapp, Bill Melendez, Venus Schultheis, Hadley Belle Miller
Trailer

„Die Peanuts – Der Film“ ist ein berührender Film, der eine einfache Story erzählt und dafür umso mehr visuell zu überzeugen weiss. Anders als etwa hyperrealistische Animationen nutzt dieser Film die Freiheiten des Trickfilms und spielt ganz bewusst mit ihnen.

Die Peanuts - Der Film

Als ich zum ersten Mal gehört habe, dass eine Verfilmung von „The Peanuts“ plant, war ich mehr als nur skeptisch. Snoopy und Charlie Brown – in 3D? Die unsäglich grässlichen CGI-Schlümpfe waren noch allzu präsent und so blieb meine Vorfreude eher zurückhaltend. Doch das änderte sich schlagartig als ich die ersten Bilder sah. Die Macher hatten den ruckligen Look sowie die knallige Farbpalette der Vorlage beibehalten und das ganze mit einer weichen, handgemachten Technik kombiniert. Und tatsächlich ist es Regisseur Steve Martino gelungen, mit „The Peanuts Movie“ eine liebevolle und würdige Umsetzung der Comic-Strips von Charles M. Schulz zu schaffen. Die Story, die der Film erzählt ist einfach und kommt ohne viel Theater aus: Als ein neues Mädchen in sein Viertel zieht, ist der notorische Versager Charlie Brown hin und weg – er hofft, dass er ihr beweisen kann, was wirklich in ihm steckt.

Die Peanuts - Der Film

Damit trifft Martino den Ton der Vorlage, die sich selber nie zu ernst nahm. Es ist eine berührende Geschichte über die Schwierigkeit, sich selber treu zu bleiben. Die konventionelle Story ist aber nicht der Trumpf dieses herzigen Filmes, vielmehr sind es die eindrücklichen Animationen, mit denen die Macher die Animationslandschaft gehörig aufmischen. „Die Peanuts – Der Film“ bietet eine Gegenbewegung zum immer realistischer werdenden Zeichentrick – geschickt lotet Steve Martinos Film die Grenzen des Mediums aus. Das 3D-Abenteuer von Snoopy und Co. strotzt nur so vor visuellen Gags und kuriosen Einfällen. Mit seiner hohen Gag-Dichte ist dieser Film der wohl witzigste Animationsfilm, den ich seit seeeehr langer Zeit gesehen habe.

Space Pirate Captain Harlock

Space Pirate Captain Harlock

20131 h 55 min
Kurzinhalt

Es ist das Jahr 2977, die Menschen haben den Weltraum erobert und kamen seither mit zahlreichen fremden Spezies in Kontakt, der nicht immer freundlich verlief. Seit geraumer Zeit herrscht ein Krieg, der sich über die ganze Galaxie erstreckt. Neue Gefahr droht durch eine menschliche Rasse, deren Vorfahren vor Unzeiten ins Exil geschickt worden waren und die nun die Erde als ihre rechtmäßige Heimat zurückfordern wollen. Auf der Erde wiederum hat die korrupte Gaia Coalition das Sagen, die ihre Vormachtstellung bedroht sieht und diese mit allen zur Verfügung stehenden Mitteln zu verteidigen sucht. Space Pirate Captain Harlock gerät zwischen die Fronten, da er sich nicht von einer Seite in Beschlag nehmen will, sondern seinem moralischen Kompass vertraut. Ihm zur Seite steht eine bunt zusammengewürfelte Crew, die mit ihm an Bord der Arcadia durch die Hölle gehen würde…

Metadaten
Titel Space Pirate Captain Harlock
Original Titel キャプテンハーロック
Regisseur Shinji Aramaki
Laufzeit 1 h 55 min
Starttermin 7 September 2013
Website
Detail
Medien
Film-Details
Bewertung Grandios
Bilder
Schauspieler
Mit: Shun Oguri, Haruma Miura, Yu Aoi, Arata Furuta, Ayano Fukuda, Toshiyuki Morikawa, Maaya Sakamoto, Kiyoshi Kobayashi, Chikao Ohtsuka, Miyuki Sawashiro
Trailer

Im deutschsprachigen Raum ist die Figur des Weltraumpiraten Harlock wenig bekannt. Einige kennen sie wohl am ehesten durch die Ausstrahlung der Serie im französischen Fernsehen in den 80er Jahren, wo Harlock Captain Albator genannt wurde. Natürlich wissen auch viele Anime-Fans von wem die Rede ist, aber man hätte sich nie getraut, den Film offiziell ins Kino zu bringen und einem breiten Publikum vorzustellen – in Frankreich schon.

Leiji Matsumoto, der kreative Kopf hinter Anime-Weltraumopern wie „Galaxy Express 999“ und „Space Battleship Yamato“ hat die ikonografische Figur des freiheitsliebenden, für Gerechtigkeit kämpfenden, rebellischen Piraten erschaffen. Ohne viele Worte zu verlieren, steht Captain Harlock zwar für das Gute ein und widersetzt sich jeder Form von Bürokratie und festgefahrenen Institutionen, eigentlich findet er seinen Antrieb aber tief in seinem Herzen. Ein klassischer „Romantic Hero“, Kapitän der Arcadia und Anführer einer kunterbunten Mannschaft, die sich aus einer Mischung aus Spezialisten und Individualisten zusammensetzt. Matsumoto hat Harlock von 1977 – 1979 als Manga gezeichnet und auch als Anime-Serie auf die heimischen Bildschirme gebracht. Regisseur Shinji Aramaki hat den Piraten 2013 mittels Motion-Capture-Technik am Computer wiederbelebt. Auch wenn Aramaki in seinen aktuellen Filmen nach einem realistischen Look strebt, so hat er die stilistischen Merkmale der Charaktere beibehalten und ein visuell herausragendes Weltraum-Spektakel erschaffen, das die Fans glücklich macht. Obwohl einige Stellen der Geschichte nicht immer schlüssig sind, so beeindruckt die Auferstehung dieser Kultfigur mit seiner authentischen „Space-Opera“-Atmosphäre und den herausragenden Animationen.